Hablando de arte

Formando colores

2011-10-28T16:32:00.005-03:00

Herramienta creada por Raquel G. Cabañas.
Te permite no sólo entender como se forman los colores sino también utilizarlos en la pc.
En la parte superior aparecerá el código del color creado.

Relaciones de colores

2011-08-23T19:20:00.008-03:00

Colores complementarios:
Son los que se encuentran opuestos en el círculo cromático.
Si los yuxtaponemos, contrastan; si los mezclamos, se quiebran o neutralizan. La razón es entre ambos tenemos la suma de los tres colores primarios.
El color complementario del amarillo es el violeta, y que es la suma de los otros dos colores primarios: azul y rojo. El complementario del anaranjado es el azul puse es el color primario que no está en su combinación

Madame Mattisse,
Henri Mattisse
1905

Colores análogos:
Son lo que están cercanos en el circulo cromático, comparten un tinte y generan sensación de armonía. Los análogos del azul son los verdes azulados, azules verdozos, azules violetas y violetas azulados.

Ricardo Carpani

¿Dónde estará la parada del 60?

1992

Mezclas sustractiva y aditiva

2011-08-23T19:11:00.004-03:00

Mezcla de colores primarios pigmento: mezcla sustractiva
Si mezclamos pigmentos (pinturas) de los tres colores primarios obtendremos un color oscuro, cercano al negro (quitamos o sustraemos luz)

Mezcla de luces de color: mezcla aditiva.
Si combinamos luces de los tres primarios-luz: rojo, verde y azul, obtenemos luz blanca.

Para ver como funciona la mezcla aditiva

Círculo cromático

2011-08-23T18:55:00.021-03:00

Círculo cromático - Johannes Itten

El círculo cromático en pleno en una pintura:

Georges BRAQUE 1882-1963, "L'Olivier"

Colores primarios:

Son colores que no se pueden obtener con la mezcla de ningún otro color y, a su vez, la mayoría de los demás colores se obtienen con su mezcla.

Entre los pigmentos, los colores primarios son: rojo, amarillo y azul.

Colores secundarios:

Son los que se obtienen de la mezcla de dos colores primarios.
Entre los pigmentos, los colores secundarios son:
verde: (mezclando amarillo y azul)
anaranjado (mezclando amarillo y rojo )
violeta (mezclando rojo y azul).

Composición con colores primarios

Broadway Boogie Woogie, 1942-1943

Composición con colores secundarios

Georges Braque, Terraza del Hotel Mistral 1907

Simetría radial

2011-08-23T18:37:00.006-03:00

Rosetón de la catedral de Estrasburgo

Herramienta para construir diseños con simetría radial

Tomado de Educación plástica.net

Para tomar buenas fotos

2011-05-19T17:44:00.003-03:00

Simulador para tomar fotografías

Podés practicar cambiando la apertura, velocidad, ISO, distancia...

Arte de Santa Fe

2011-05-11T19:38:00.000-03:00

Inauguración miércoles 20 de abril
Cierre 23 de mayo
Museo Municipal de Bellas Artes "Juan B. Castagnino"
Rosario

Arte de Santa Fe - Programa Argentina pinta bien

Arte de Santa Fe es la vigésima exhibición del proyecto Argentina Pinta Bien, uno de los más ambiciosos en materia de artes visuales de los últimos tiempos: el mapeo sistemático de la producción contemporánea en todas las provincias de la Argentina. Creado en 2003, tenía como objetivo demostrar que en el país se seguía produciendo arte después de la crisis de 2001. El programa ya registró todas las provincias, menos Buenos Aires, y ahora es el turno de Santa Fe. Con tres curadores y un afán panorámico, la exhibición es enorme e intenta la casi inabarcable tarea de dar cuenta del estado del arte contemporáneo en una de las provincias con mayor actividad y con una de las tradiciones artísticas más importantes del país.

Tomado de: "Santa Fe siempre estuvo cerca" , de Mónica Palacios, Página/12, 30 de abril de 2011.

* Imagen: Nicola Costantino, "Nicola costurera", 2008. Inkjet print.

El mural

2010-09-27T19:53:00.003-03:00

Sinopsis
La trama desarrolla su acción en los años treinta, cuando llega al país David Alfaro Siqueiros. El film relata las distintas circunstancias que llevaron al pintor a realizar el famoso mural en la quinta Los Granados, propiedad de Natalio Botana, con la colaboración de los pintores argentinos Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni y Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro; más las complicadas y entrecruzadas relaciones entabladas entre los personajes protagónicos de la historia.

Dirección: Héctor Olivera
Reparto: Luis Machín, Carla Peterson, Ana Celentano, Bruno Bichir, Sergio Boris, Camilo Cuello Vitale, Rodrigo Noya, Juan Palomino, Mónica Galán.

Cine Arteón

http://www.arteon.com.ar/

Miércoles 29 Sep, 19 hs

Impresionismo

2010-09-27T19:37:00.004-03:00

Se agradece a la profesora Ana Rey

Graciela Sacco - Entre nosotros: Sombras del sur y el norte

2010-09-27T19:23:00.002-03:00

Hay, en la aparición del rostro, un mandamiento, como si un amo me hablase...

Emmanuel Levinas
Entre nosotros: Ensayos para pensar en otro

Graciela Sacco
Artista visual argentina, egresada de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Rosario.

"Sus realizaciones la enmarcan en aquella franja de la estética contemporánea que intenta salvar la brecha entre arte y sociedad, desarrollando una obra en donde lo público y lo privado se entrecruzan. La trama urbana y el impacto de la publicidad son utilizados como soporte de sus estrategias estéticas, desplegadas sobre la base de reflexiones críticas sobre el medio en el que se encuentra"
(Información tomada de www.macromuseo.org.ar)

Lazos - Dibujantes por la Memoria, la Verdad y la Justicia

2010-08-23T18:41:00.002-03:00

José Gurvich - arte latinoamericano

2010-06-24T09:11:00.003-03:00

José Gurvich, nacido en Lituania en 1927, llegó a los cinco años a Uruguay para convertirse en uno de los refentes del arte de este país. En 1944 se relacionó con Joaquín Torres García y al año siguiente comenzó a formar parte de su Taller, llegando a ser una de las figuras fundamentales del movimiento constructivista en su país. Durante los años 50 Gurvich fue desarrollando un estilo más personal que expresará en un mundo donde se unen la tradición y lo nuevo, la realidad y la fantasía.
Expresa la crítica e historiadora del arte Alicia Haber: "Gurvich desplegó un mundo en el que tiene gran importancia la integración de la herencia torresgarciana con la progresiva búsqueda de la identidad judaica , la admiración hacia el arte de El Bosco, Chagall y Bruegel y una expresividad idiosincrásica. Acuarelas, témperas, óleos, cerámicas, esculturas, relieves y murales documentan su fantasía, su sensibilidad pictórica, su capacidad para el color, su esmero artesanal, su lirismo, su espiritualidad, su intuición creadora y su capacidad imaginativa".

La música es del Walter Heinze (1943 - 2005), guitarrista y compositor entrerriano.
"Después del tiempo" (zamba) es interpretada por Pablo Ascúa, "El prometido" (chamamé) es interpretada por Heinze y Ascúa.

Concurso sobre el ferrocarril en Santa Fe

2010-04-20T16:28:00.009-03:00

CONCURSO DE FOTOGRAFÍA, CUENTOS Y ENSAYOS

“Volver al Tren: imágenes y relatos del ferrocarril en Santa Fe”

La temática sobre la que versarán tanto las fotografías como los cuentos y ensayos será sobre el ferrocarril en Santa Fe. Particularmente se busca lograr una mirada que revalorice el legado ferroviariode la provincia y que al mismo tiempo ofrezca una lectura del estado de los trenes en nuestros días.

Para consultar las bases del concurso

Muestra de Juan Pablo Renzi: la razón compleja

2010-03-15T00:06:00.009-03:00

Exposición en el Centro Cultural Parque de España, curada por María Teresa Constantin, con asistencia de Xil Buffone. Desde el 11 de marzo hasta el 2 de mayo.

Parte de la muestra se expondrá en el Espacio de Arte de Fundación OSDE (Oroño 973),
de Lunes a Viernes de 12 a 20 hs, Sábados, Domingos y Feriados de 17 a 20 hs.

La razón compleja funciona como una retrospectiva y reúne en las Galerías del CCPE y el espacio de Fundación OSDE unas 80 obras, desde las de los años 60 hasta las que Renzi (Casilda, 1940-Buenos Aires, 1992) realizó antes de morir. Asimismo, el catálogo incluye textos de las curadoras, María Teresa Constantin, con asistencia de Xil Buffone, así como de Guillermo Fantoni, Daniel Samoilovich y Ana Longoni. “La selección de las obras y el montaje de las mismas aspiran —escribe Constantin— de la riqueza y amplitud del pensamiento de Juan Pablo Renzi. Por momentos cronológica —permitiendo percibir un itinerario—, en otros la exposición se vuelve sinuosa, contorneando núcleos, extrayendo obras de un período para asociarlas con otras. Así se puede seguir el tránsito de una idea (como las reflexiones sobre un movimiento artísitico), un tema (las nubes, el espacio) o un problema (la política, la historia del arte universal y nacional).”
La exposición incluye una nueva reconstrucción de los trabajos conceptuales del artista de acuerdo a las explicaciones, planos, diagramas e instrucciones de montaje que él realizó en los años 60. La razón compleja, el título de la muestra, fue pensado a partir de declaraciones realizadas por Renzi en las que señalaba: “Creo en una razón mucho más compleja que de alguna manera comprende todos los mecanismos del pensamiento, que no descarta las zonas instintivas, afectivas e inconscientes”.

Más infomación: ccpe.org.ar

Neo y pos impresionismo

2009-11-18T17:41:00.002-03:00

Neoimpresionistas

post impresionistas

Mercedes Sosa

2009-10-05T16:57:00.003-03:00

El domingo 4 de Octubre de 2009 falleció Mercedes Sosa. Y nos duele su ausencia, porque Mercedes Sosa es sinónimo de canto popular, de democracia y de lucha por la justicia, y porque, como han dicho sus seres queridos, la quisimos y la seguimos queriendo aún mucho más allá de la cantante y de la artista, porque se ha hecho parte de nuestras familia aún sin tener lazos de sangre.

Quizás, las palabras de su entrañable amiga, Teresa Parodi, resuman el sentimiento de muchos:
“…Mercedes, salmo en los labios
amorosa madre amada
mujer de América herida
tu canción nos pone alas y hace que la patria toda
menudita y desolada no se muera todavía,
no se muera porque siempre cantarás en nuestras almas…”

El derecho de soñar - Eduardo Galeano

2009-10-01T15:11:00.001-03:00

La función del arte - Galeano

2009-09-26T20:06:00.004-03:00

Diego no conocía la mar. El padre, Santiago Kovadloff, lo llevó a descubrirla.Viajaron al sur.Ella, la mar, estaba más allá de los altos médanos, esperando.Cuando el niño y su padre alcanzaron por fin aquellas cumbres de arena, después de mucho caminar, la mar estalló ante sus ojos. Y fue tanta la inmensidad de la mar, y tanto su fulgor, que el niño quedó mudo de hermosura.Y cuando por fin consiguió hablar, temblando, tartamudeando, pidió a su padre:—¡Ayúdame a mirar!En El libro de los abrazos.

Sobre eso que se llama arte - Luis Felipe Noé

2009-09-22T16:23:00.002-03:00

Un recorrido por los sitios de la memoria política y social de Rosario.

2009-08-02T10:45:00.006-03:00

Bajo la hierba Territorios, ciudad y memorias

Muestra realizada por el Museo de la Memoria que propone un recorrido por los sitios de la memoria política y social de Rosario.

"Todas las ciudades pueden ser vistas como poderosos palimpsestos. Capa sobre capa, el paso del tiempo va dejando sus marcas sobre la infinita epidermis urbana. En nuestro andar cotidiano, solo si nos detenemos con paciencia y disposición podremos advertir el espesor histórico de cada uno de los múltiples fragmentos que conforman parte de eso que llamamos ciudad."
Rubén Chababo.

Hasta el 20 de agosto en el Museo de la Memoria
(Aristóbulo del Valle y Callao)

Más información en:
http://www.museodelamemoria.gov.ar/muestras-bajo-la-hierba.htm

Taller de Luis Felipe Noé

2009-07-18T15:49:00.006-03:00

Egipto

2009-07-18T15:49:00.005-03:00

Egipto Antiguo

características del color

2009-07-15T19:42:00.016-03:00

VALOR
Es el grado de luminosidad del color.
Distinguimos entre colores de luminosidad alta (valor alto), luminosidad media (valor medio) y luminosidad baja (valor bajo)

Los colores cromáticos muy luminosos poseen un valor alto: por ejemplo el amarillo, el verde-amarillento o el amarillo-anaranjado. También podemos elevar la luminosidad de un color mezclándolo con blanco o con gran cantidad de un tinte de valor alto. Podemos, por el contrario, bajar la luminosidad mezclando los colores con negro o un color acromático de valor bajo.

En Los girasoles, de Van Gogh, dominan los valores altos

En Los comedores de papas, de Van Gogh, dominan los valores bajos

Cuando en una composición domina determinado valor, hablamos de clave de valor o isovalencia

TINTE
Es la cualidad que nos permite distinguir a dos o más colores cromáticos. Es la cualidad que da identidad al color. El rojo y el verde tienen tintes diferentes. El rojo y el "rosado", comparten el tinte. Un azul y un "celeste", también. El rosado y el celeste se producen desaturando los tintes rojo y azul respectivamente.

Si en una composición predomina un tinte, hablamos de monocromía.

Dos obras de Picasso en su período azul (1901 - 1904) : La vida y El guitarrista

SATURACION

La saturación o cromaticidad es el grado de pureza de un color.
Cuando un tinte es puro presenta la máxima saturacióno calidad de cromaticidad.

Si a un color, por ejemplo, rojo, lo mezclamos con blanco, no sólo aumentará su valor sino que disminuirá su pureza, o sea se desaturará. También podemos desturar un color si lo mezclamos con negro, en ese caso se desatura pero, a la vez, disminuye su valor (se oscurece).

Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un gris de su mismo valor.

Si desaturamos un amarillo o un anaranjado con negro o gris, no sólo va a cambiar el valor y la saturación sino también el tinte.

Dos obras de la serie sobre las fachadas de la catedral de Rouan, donde Claude Monet trabajó con distintas saturacione: la primera tiene colores más saturados que la segunda.

Otra forma de que un color pierda pureza es mezclarlo con su complementario. En ese caso obtendremos un color quebrado.

Serie de la catedral de Rouan de Monet donde varió tintes, valor y saturación de los colores

Reflexiones en Torno a la Fotografia

2009-07-03T17:15:00.005-03:00

Presentación de Nicolás Svistoonoff
artista plástico y profesor en la Univ. Central de Quito

Reflexiones en Torno a la Fotografia

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SIGNOS (guía)

2009-07-01T16:44:00.006-03:00

Lenguajes artísticos y comunicacionales 4º A

Signo

Material:
- AAVV “Signos”, en Comunicación. Sociedad y medios, Buenos Aires, Santillana, 2000, págs. 13 – 17. Disponible en Kapiqua y también en: Material sobre el tema Signos
- Apuntes de la última clase.

1 Signo lingüístico - Ferdinand de Saussure
1.1 ¿Cómo caracteriza Saussure al lenguaje, la lengua y el habla?
1.2 Define y caracteriza el signo lingüístico según Saussure. Ejemplifica.
1.3 Caracteriza las relaciones sintagmáticas y paradigmáticas. Ejemplifica.

2 Signo semiológico – Roland Barthes
2.1 ¿Cuáles son los dos aspectos del signo semiológico? Ejemplifica
2.2 ¿Qué diferencias señala Barthes entre el signo lingüístico y semiológico? Ejemplifica.

3 La semiótica – Charles Sanders Peirce
3.1 ¿Cómo define Peirce al signo? A partir de la definición indica por qué hablamos de una concepción triádica del signo.
3.2 ¿Qué elemento nuevo considera Peirce que no tuvieron en cuenta Saussure ni Barthes?
3.3 Explica los tres tipos de signos según la relación que tienen con el objeto representado: ícono, índice y símbolos. En cada caso, ejemplifica.

Fecha de entrega:
Al regreso del receso de invierno

Yó no sé nada - Oliverio Girondo

2009-06-19T12:03:00.003-03:00

Yo no sé nada - Girondo - Piazzolla

Caligrama de Oliverio Girondo con música de Astor Piazzolla

Sobre el grabado y los grabadores 1

2009-06-19T11:23:00.011-03:00

Antonio Berni

Juanito con pescado, De la serie Juanito Laguna

1961

xilocollage

169 x 126 cm

Benito Quinquela Martín

"Día de Trabajo"

1965
Aguafuerte

40 x 58cm

Mele Bruniard

"Misterio Damero"

1974

Xilografía

Para leer sobre técnicas de grabado

Cultura burguesa medieval y naturalismo en el arte

2009-06-02T17:04:00.001-03:00

Helen Zout - Niños con SIDA

2009-05-29T18:26:00.003-03:00

Helen Zout - Niños, velos y máscaras

Arte románico

2009-05-25T15:15:00.004-03:00

Una mirada sobre la obra de Mabel Temporelli

2009-05-25T14:57:00.002-03:00

Apuntes sobre la moda (en tiempos de violencia)

Leónidas Gambartes

2009-04-21T18:05:00.004-03:00

Leónidas Gambartes - Mujeres, paisajes y espíritus

Graciela Sacco

2009-04-04T17:58:00.017-03:00

Bocanada, 1995

Graciela Sacco, Rosario, Argentina
Artista visual, fotógrafa, video e instalacionista.

Más obras en: Graciela Sacco

Sitio web: http://www.gracielasacco.net/

Carlos Alonso - Paisajes argentinos

2009-03-19T18:05:00.013-03:00

El mural de la discordia

2009-03-07T09:07:00.007-02:00

Consideran que se trata de un grafiti –y no de una obra de arte–, y por lo tanto no cumple con las normativas de Westminster City, el distrito de la capital británica donde fue pintado. El mural del enigmático y popular artista, del que se desconoce la identidad, deberá ser cubierto o retirado del lugar.

Por el momento se ha decidido instalar un andamio para cubrir el dibujo, a la espera de adoptar una decisión definitiva.

Un conocido mural de 7 metros de altura de Banksy tendrá que ser retirado de un edificio de Correos de Londres porque las autoridades de la ciudad consideran que es grafiti, según informaron hoy medios locales.La obra muestra en grandes letras blancas la leyenda "One nation under CCTV" ("Una nación bajo las cámaras de vigilancia") junto a un par de figuras: un niño subido a una escalera que pinta la frase, y un policía acompañado por un perro, que fotografía al niño-pintor.El pasado mes de octubre, las autoridades del distrito de Westminster City decidieron que el mural, que se realizó sobre una pared desnuda, debía ser retirado en cumplimiento de las normas vigentes en la ciudad.Robert Davis, representante del distrito, manifestó que "aprobar este grafiti –porque lo consideramos un grafiti– es aprobar el resto de grafiti que se ven garabateados por el resto de la ciudad".Existe la opción de que el mural de Banksy permanezca, pero en ese caso el servicio de Correos tendría que cubrirlo para cumplir con las normativas del distrito de Westminster City.Un portavoz del Royal Mail declaró a la agencia de noticias PA: "Desgraciadamente, las autoridades del distrito nos han dicho que tenemos que retirar o cubrir el mural".Por ello, de momento, se ha optado por instalar un andamio para cubrir el dibujo, a la espera de adoptar una decisión definitiva.Banksy es el pseudónimo de un popular artista del grafiti, del que sólo se sabe que nació en el sur de Inglaterra posiblemente en 1974.Su trabajo consiste por lo general en piezas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combinando escritura con grafiti y representaciones gráficas realizadas con plantillas.Nunca ha realizado ninguna exposición, pero sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Fuente: EFE

Tomado de:

http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2009/03/06/_-01871916.htm

Autorretratos de América Latina

2009-03-01T20:34:00.001-02:00

México con toda su pasión

Autorretrato de América Latina IV México ver

Paisaje después de la dictadura

Autorretrato de América Latina VI Paraguay/Uruguay ver

Tomado de: http://www.magazinedigital.com/reportajes

Autorretratos de América Latina

2009-03-01T20:00:00.007-02:00

Un país en el diván de sus grandes fotógrafos
Autorretrato de América latina III Argentina ver

Tres países unidos por elinfortunio

Autorretrato de América Latina II Guatemala, El Salvador y Honduras ver

Tomado de: http://www.magazinedigital.com/reportajes

Liliana Maresca

2009-03-01T09:14:00.003-02:00

El amor -lo sagrado- el arte

Rayuelas de colores en la Avenida 9 de julio de Buenos Aires para homenajear a Cortázar

2009-02-15T09:58:00.003-02:00

Trescientas rayuelas de siete metros de largo y vividos colores realizadas por la artista Marta Minujin invadirán la Avenida 9 de Julio el próximo 21 de marzo, como parte de las actividades para homenajear al escritor Julio Cortázar a 25 años de su muerte.
El propósito de la instalación, ideada por Marta Minujin, es crear un gran experimento lúdico en homenaje al escritor Julio Cortazar a los 25 años de su muerte. En el juego podrán participar todos aquellos que se acerquen con un libro o fragmento de un texto de Cortázar (1914-1984) en la mano, como una suerte de contraseña, con la idea final de tomar imágenes aéreas de cientos de personas saltando sobre la Avenida 9 de Julio, sobre las fluorescentes rayuelas, contó Minujín en una conferencia de prensa en la Biblioteca Ricardo Guiraldes.

Tomado de Revista Ñ http://www.revistaenie.clarin.com/

Artículo completo en: http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2009/02/10/_-01856427.htm

Julián Usandizaga

2008-11-15T08:07:00.003-02:00

Corto sobre Julián Usandizaga, dibujante rosarino, realizado por Pablo Rodríguez Jáuregui

mostrando los trabajos de 1º C y 2º A

2008-11-03T21:34:00.004-02:00

muestra Signos een 432

EEM 432 en la Alianza Francesa

2008-11-03T15:41:00.003-02:00

EEM 432 en la Alianza

Arqueología de la ausencia en Rosario

2008-10-29T16:42:00.003-02:00

Muestra itinerante de Lucila Quieto.
Fecha: desde el 24 de octubre de 2008

Esta muestra logra atrapar con sus montajes fotográficos un tiempo que no existe, crear momentos irreales en los que hijos y padres separados por la muerte, el secuestro o la desaparición posan juntos por primera vez.
Quieto aprendió a mirar como si buscara; a enfocar en el blanco hasta que se imprima el trazo móvil que guían los relatos, el deseo de que el tiempo transcurra más acá del instante, que tienda la mano para cubrir esos ojos que miran interrogando sobre lo posible arrebatado. Esa es la chance que le dieron las fotos: un momento capturado al que se puede interrogar para que conteste por la música que sonaba de fondo, el olor de la comida que se ve detrás, el color de unos pantalones, la temperatura del agua en esa playa.
"Siempre me gustó mirarlas", dice y es fácil imaginar a la niña que fue revolviendo las pocas fotos de su padre y rearmándolas para que cuenten algo más que esa anécdota que se cerraba en la toma. Que le cuenten, por ejemplo, quién hubiera sido ella si no hubiera tenido que esperar 17 años antes de inscribir el nombre del padre en el documento de identidad. Que le cuenten de qué se trata la identidad que forzosamente se enhebra y se despliega sobre el blanco de la ausencia. Algo faltaba siempre en esas fotos: faltaba la progresión del tiempo ajando los rostros, angostando los pantalones, afeitando, tal vez, ese bigote para siempre hirsuto en el tiempo quieto de la imagen estática.
Veinticinco años, dice ella, ese es el tiempo que le tomó la gestación de "otra foto". Ya que no hubo un crecer al reparo, Lucila asume la violencia de la falta y se interpone ella misma en un acto abrupto ahí donde quería estar. Fuera de tiempo, fuera de espacio, ni el tiempo de la toma ni el de superposición. El rompecabezas se arma y se desarma. Subyace la búsqueda: "unir lo que estaba destinado a quedar separado", dice ella. Pero también la de desarticular la imagen hasta que olvide lo que era para ser ella la que la provoca y la convoca, quien la haga hablar y contar: de qué se trata una sonrisa, con qué materiales se fragua el amor, por qué el amor y no otra cosa arma una familia entre los que están y los que no están, entre quienes se detuvieron en el tiempo y quienes mutan.
En el intervalo de la ausencia Lucila Quieto arma su guarida y desde allí tira sus lazos como quien busca entre las especies un rebaño de indómitos ejemplares que parecen domesticarse a su designio pero, como en todo rompecabezas, se desarman y se fugan para darle la oportunidad de seguir buscando la pieza que, en definitiva, será la obra. O la vida misma.

Museo de la Memoria
Secretaría de Cultura y Educación
Aristóbulo del Valle 2650
Rosario, Argentina

(0341) 480-4511 (int. 231)

Tomado de: http://www.museodelamemoria.gov.ar/muestras-arqueologia-de-la-ausencia.htm

LEON FERRARI

2008-05-06T19:23:00.005-03:00

ANTOLOGICA

Homenaje a las víctimas de la tortura
2001
técnica mixta
100 x 70 cm
Ingresa al museo Castagnino en el año 2002.

En una muestra con carácter retrospectivo, el conjunto más importante de obras del artistaque existe en Argentina será exhibido en el Museo Castagnino

> inauguración: martes 6 de mayo 19.30, Museo Castagnino, Av. Pellegrini 2202

El próximo martes 6 de mayo a las 19.30, se inaugurará la muestra León Ferrari. Antológica en el Museo Municipal de Bellas Artes J. B. Castagnino de Av. Pellegrini 2202. La misma recoge las principales etapas de producción de este artista ineludible para los desarrollos del arte contemporáneo. La muestra podrá visitarse hasta el domingo 29 de mayo.Ferrari, quien fuera distinguido en 2007 con el premio máximo de la Bienal más prestigiosa del mundo del arte (54ª Bienal de Venecia), es uno de los principales referentes de la corriente estético-política. Sus obras y las historias que las rodean juegan un papel esencial en el ámbito del arte y en el campo social. En el marco del programa de incorporación de obras, el Museo Castagnino+macro reunió el conjunto más amplio de piezas de León Ferrari que existe en instituciones argentinas. Estas obras, fechadas entre 1976 y 2007, son el núcleo de esta muestra junto a una selección de obras, pertenecientes en su mayoría a la colección del artista, que han sido elegidas por su vinculación con las piezas del patrimonio y con la intención de enriquecer la mirada que se busca en torno a aquellos indicadores de las tensiones que operan con frecuencia en las imágenes del autor. Figuran entre otras piezas: los famosos juicios finales, una serie de maniquíes, esculturas de alambre, algunos poliuretanos, un conjunto de Relecturas de la Biblia, brailles, una pieza del grupo de los Mimetismos, una selección de botellas y varios objetos. La muestra intenta, por un lado, poner en foco los ejes del discurso artístico-político de León Ferrari señalando su forma de abordar cuestiones como: el poder, la política, los valores éticos y estéticos, la violencia, la sensualidad, el erotismo, el uso del montaje, la ironía y el humor. Por otro lado, incluir mediante el abordaje, un planteo sobre el influjo y la permanencia de aquellos lineamientos asumidos por el artista en materia de arte y política en los años de La Civilización Occidental y Cristiana (1965), obra paradigmática en la tradición de la vanguardia estético-política del arte del siglo XX. Desde ese momento, el artista resolvió un programa de la imagen tendiente a cuestionar aquellas tradiciones políticas y culturales que atentan contra los derechos humanos y la libertad de expresión. Pero también para promover un arte vinculado con el contexto vigente, teñido de las mixturas, oscilaciones y opacidades de la contemporaneidad. Desde sus comienzos, León Ferrari asumió una posición decisiva ante la realidad social y artística. Esta circunstancia lo ha colocado desde sus comienzos en la vereda de un arte comprometido. Por eso, al realizar esta exhibición, que es la primera antológica de carácter retrospectivo que se hace en Rosario sobre Ferrari, el museo cumple con un gran deber institucional reactivando una de sus búsquedas incesantes de los últimos años: la que se halla destinada a encontrar nuevas instancias de insolencia política, sensible, y renovadora en el campo cultural argentino. La curaduría estuvo a cargo del Equipo Curatorial Castagnino + macro, con la asesoría de Andrea Giunta y Liliana Piñeiro.

> www.leonferrari.com.ar

> obras de León Ferrari pertenecientes a la colección Castagnino+macro

> www.museocastagnino.org.ar

LEÓN FERRARI EN DIÁLOGO

Facultad de Humanidades y Artes

> charla: miércoles 7 de mayo 19.30,

en el salón de actos de la Facultad de Humanidades y Artes, Entre Ríos 758

En el marco de la muestra, el próximo miércoles 7 de mayo a las 19.30, en el Salón de Actos de la Facultad de Humanidades y Artes, Entre Ríos 758, tendrá lugar la charla León Ferrari en diálogo que contará con la presencia del artista y Fernando Farina, Secretario de Cultura de la Municipalidad de Rosario. Esta actividad, organizada por la Secretaría de Extensión de la Facultad de Humanidades y Artes y el Museo Castagnino+macro.

Muestra y presentación del libro: Juan Grela. Obra Gráfica

2008-04-29T16:58:00.003-03:00

viernes 2 de mayo 19.30, Museo Castagnino, Av. Pellegrini 2202

El viernes 2 de mayo a las 19.30 se inaugurará en el Museo Municipal de Bellas Artes J. B. Castagnino de Pellegrini 2202 la muestra que reúne cuatro décadas de obra gráfica del artista plástico Juan Grela. En el mismo acto, se realizará la presentación del libro 'Juan Grela. Obra Gráfica', que estará a cargo de su autor Dr. Jorge M. Taverna Irigoyen, presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes y del Prof. Emilio Ghilioni, quien estuvo a cargo de la compilación y coordinación de la publicación.
El proyecto editorial surge de la Secretaría de Relaciones y Extensión Universitaria de la Facultad de Humanidades y Artes de la U.N.R. Se trata de una coedición de U.N.R. Editora, Laborde Editor y HyA Ediciones (Humanidades y Artes Ediciones).

Con más de 20 obras, la muestra “Juan Grela. Obra Gráfica” dará cuenta de cuarenta años de producción gráfica del notable maestro rosarino discípulo de Antonio Berni, José Planas Casas y Gustavo Cochet. ésta, propone un acercamiento a las diferentes variantes estilísticas y técnicas en las cuales ha incursionado el artista a lo largo de su trayectoria. Se podrá apreciar una primera etapa en donde Grela utiliza un lenguaje mimético con recursos del renacentismo italiano, pleno de escorzos y representaciones tridemensionales. Se mostrarán las obras “constructivistas” de las décadas de los sesenta y setenta, en las cuales predomina lo bidimensional y se recurre al uso de las relaciones áureas a través de los rigurosos esquemas estructurales utilizados por el uruguayo Joaquín Torres García. En esta selección de trabajos se incluirán también, ejemplos de la producción de su última etapa cercana al surrealismo.
La muestra podrá visitarse hasta el día domingo 1ro. de junio.

www.museocastagnino.org.ar

Autores ideológicos - Muestra

2008-03-26T23:25:00.003-03:00

24 de marzo de 2008, 32 años después...

Mientras espera tomar posesión, a fines de este año, del edificio que perteneció al Comando del II Cuerpo del Ejército y posteriormente devenido Confitería, el Museo de la Memoria, iniciativa municipal bajo la premisa “Dictaduras, nunca más”, presenta la muestra “Autores ideológicos” de los artistas plásticos Omar Estela, Marcelo Montanari, Javier Bernasconi, Marcela Oliva y Luciano Parodi.

La misma consiste en la “deconstrucción” de un Ford Falcon modelo 78 que fuera adquirido por los artistas en una subasta de bienes pertenecientes a la Policía Bonaerense. El auto, verde en su color original, fue usado para tareas operativas del gobierno golpista, y guardaba en su baúl un viejo uniforme de policía de aquel entonces, que fue robado del taller de los artistas, según nos cuenta la guía del Museo.

El auto destripado, abierto, mesurado, empalado en el museo y pintado de impactante blanco fantasmal, pretende ser una autopsia tangible de reconocimiento, detalle a detalle, circuito a circuito, de los mecanismos genocidas de la última dictadura.

Ver imágenes en:

http://www.flickr.com/photos/nodotau/sets/72157604191952227/show/with/2350543716/

Tomado de: http://www.flickr.com/photos/nodotau/sets/72157604191952227/

El Bolsón: fantasías en madera

2007-10-28T09:44:00.001-03:00

El bosque del cerro Piltriquitón es un museo de esculturas en honor a la tierra
El Bosque Tallado del cerro Piltriquitrón, cercano a la ciudad rionegrina de El Bolsón, es ahora un santuario natural donde la vegetación y el canto de las aves conviven con esculturas figurativas y abstractas. En 1978 el fuego arrasó con el bosque de lengas que había en ese lugar y convirtió a los árboles en troncos caídos, secos y ennegrecidos por el humo. Los otros incendios de la década, hubo varios, profundizaron esos daños.
La idea de construir este santuario, una ofrenda a la Madre Tierra herida por las llamas, germinó en la cabeza de Marcelo López, escultor nacido en Rosario pero patagónico y bolsonés por adopción, quien en 1997 participó del Segundo Encuentro Nacional de Escultores en General Roca.
Allí vio tallar enormes piedras de alabastro, de las cuales surgían formas y figuras, y supo que el desafío era convertir aquella tierra arrasada en una experiencia creadora, en darle una nueva vida a los árboles. Hubo, por supuesto, que realizar trámites burocráticos, pero finalmente se inició la metamorfosis de esas ocho hectáreas, a los 1.400 metros de altura, en el corazón del Piltriquitrón.
El objetivo del proyecto era realizar esculturas sobre los árboles secos, una obra faraónica que rápidamente fue visualizada como un atractivo turístico único de esa región, y tal vez del mundo.
Primero se eligió un espacio claro cercano al bosque seco y allí se instaló el campamento principal, donde se levantaron varias carpas, y al que se dotó de generadores eléctricos.
Después hubo que organizar las comidas para 30 personas y contar con un lugar para los equipos de los artistas, artífices de lo que llamaron “la gran transformación”.
Los traslados, que fueron muchos, se realizaron a lomo de caballos cargueros. Y en otros dos encuentros, los de 1998 y 1999, los escultores convocados por López tallaron 31 esculturas sobre los árboles secos, que son las que se exhiben. “En diciembre de este año, del 7 al 16, cuando realicemos el Cuarto Encuentro Nacional de Escultores, habrá ocho monumentos más”, informó López, quién confirmó que “este año por primera vez vendrán dos escultores extranjeros, uno de Colombia y otro de Perú”.
Las destacadas
Entre las esculturas se destacan “Fuerzas contrapuestas”, del bolsonés Hugo Vázquez; “Puma Indio”, del chubutense Eduardo Luso; “Plantador para Duendes”, del tucumano Guillermo Rodriguéz, y “El Guardián del Sol”. De esta última, su autor, Marcelo López, dice: “siempre trato de rescatar diseños nativos de mapuches, tehuelches, araucanos; esta es una escultura de madera de lenga de dos metros de alto que representa a un personaje poderoso”.
El Bosque Tallado está a 11 kilómetros del El Bolsón, por un camino de montaña que atraviesa bosques nativos. En la época invernal, a
pesar de la nieve, se puede visitar gratuitamente, y en verano se cobra un bono que se destina a mantener el lugar y solventar los gastos de dos guías de sitio.

Tomado de:
http://www.lacapital.com.ar/2007/10/28/turismo/noticia_424308.shtml#

Luis Bravo, fotógrafo salteño

2007-06-11T16:23:00.001-03:00

La fotografía de niños prematuros en la técnica de fotomontaje digital esta siendo utilizada en acontecimientos sociales. En Salta el joven fotógrafo Luís Bravo la desarrolla con gran ingenio y creatividad. La Agencia de Noticias Copenoa entrevisto a Luís Bravo

Leer artículo completo >

Tomado de: http://www.copenoa.com.ar/v2/spip.php?article726

Otros trabajos de este fotógrafo:

http://www.luisbravofotos.com.ar/home.html

Nuestras miradas (EEM 432) - 2006

2007-05-22T17:44:00.001-03:00

Mirarnos 2006

Cómplices en el arte y la reflexión

2007-05-19T08:39:00.001-03:00

Horacio Zabala expone en la Fundación Alon y comparte con Roberto Elía la muestra Conjunciones y disyunciones en la galería El Borde. La coincidencia es más conceptual que de tiempo y lugar: su afinidad tiene que ver con la libertad con que crean sentido.

«Un día de 1972 el artista arquitecto Horacio Zabala tomó un trozo de papel, lo plegó cuidadosamente en cuadrados hasta dejar en él las marcas imperceptibles de una reja, luego lo desplegó y escribió en español y en inglés: "Este papel es una cárcel". Una fotografía —estratégicamente elegida, como tapa del catálogo de la muestra que se exhibe en la Fundación Alon— registró ese acto en apariencia banal.
La acción sin embargo, revela muchas cosas que podrían explicar no sólo el propio derrotero de la obra de Zabala, desde entonces al presente, sino también las afinidades estéticas que comparte con Roberto Elía, su compañero en Conjunciones y disyunciones, otra exhibición que puede verse en estos días, concebida por la curadora Danielle Perret para la galería El Borde.
En los años 70, la lapidaria frase resumía un estado de cosas y al mismo tiempo marcaba un punto de partida. El papel, o lo que es lo mismo, el plano que por siglos había acotado la mayor parte de las expresiones del arte, se revelaba como una limitación.
Así, tanto Zabala como Elía habrían de trabajar fuera de él pero sin abandonarlo, al punto de reservarle un protagonismo en sus obras futuras, marcadas una y otra vez por el acto íntimo de escribir o dibujar.
El punto común entre ambos es la libertad con que se dirigieron al universo de las cosas a su alrededor para dotarlas de sentidos distintos del habitual. O sea, el mero ejercicio de una mirada poética, que como sugiere Danielle Perret, los habilitó para tomar "cualquier materia prima insignificante y convertirla en una elaborada materia significante". Así Elía, que a comienzos de la década del 70, se valió de un modesto broche de ropa para armar un vasto sistema de signos que aluden al hombre, sus herramientas fundamentales y sus hábitat, aquí coloca una silla frente a un rincón virtual y un plato con una coma impresa, como para desafiar al espectador a desentrañar el sentido de esas cosas y las palabras, cuyo significado se empeña en disolver en grandes trazos de tinta sobre tela que evocan dibujos chinos.
Zabala dialoga con esa tradición al armar un friso de ramas doradas que evocan la V de la victoria, un signo de dilatada trayectoria en la política argentina. Sin embargo su novedad es el contrapunto entre la pintura y la lectura, viejas afinidades del artista que en esta muestra aparecen mediadas por el universo de los objetos.
Quizá la complicidad entre Elía y Zabala haya comenzado en ese punto que les permitió entrar y salir a su arbitrio del plano cárcel en los años que preceden a este encuentro. Una fuga que no fue fruto de un impulso sino de la profunda intimidad reflexiva que practican ambos.
A esa actitud silenciosa, propia del ser artista que se vuelca sobre sí mismo, refieren los "Anteproyectos Tzinacán I y II", de Zabala (1975). Estas obras integran la muestra de la Fundación Alon, como parte de los anteproyectos de cárceles, mapas intervenidos y objetos, que Zabala realizó entre 1972 y 1978 y refieren críticamente a la institución arte pero al mismo tiempo se encuentran atravesados por la situación convulsiva de la época.
Tanto los anteproyectos de cárceles para artistas, como las huellas de sus acciones y las intervenciones en mapas que Zabala empezó en 1972 y presentó por primera vez en el CAYC al año siguiente, forman parte de un corpus conceptual crítico que asume una particularidad latinoamericana. Como bien señalan María José Herrera y Fernando Davis, en los ensayos del catálogo, éstas (y otras obras como las de Bony, Grippo, Ferrari o Tucumán Arde, entre otros) marcan desvíos que introducen contenidos sociopolíticos con relación a los modelos del conceptualismo británico y estadounidense, más concentrados en formalidades lingüísticas.
Aunque en estos trabajos Zabala se vale de los códigos de representación propios de la arquitectura y la cartografía, su intención es claramente desordenadora. Ya la propia idea de cárcel, que instala en su papel escrito del 1972 como una reflexión sobre los problemas internos del arte, aparece irremisiblemente contaminada por la visión foucaultiana que deja al descubierto el verdadero sentido de las arquitecturas de control.Es escalofriante pensar en el carácter premonitorio que tuvieron primero sus anteproyectos de Cárceles flotantes para el Río de la Plata y Cárceles subterráneas y luego sus mapas de una Argentina De-formada o, si se quiere, vaciada y empaquetada.
Ana María Battistozzi.

Tomado de: http://www.clarin.com/suplementos/cultura/2007/05/19/u-05211.htm

Reinauguración del MAMba

2007-05-09T16:15:00.001-03:00

Muestra ES DE 10 A 20, Y EXPONEN NOE, ERNESTO BALLESTEROS, LEO ESTAL Y LA COLECCION IGNACIO PIROVANO

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires fue reinaugurado anoche en el el 2º piso del Correo Central, en la avenida Corrientes 172. El museo estará abierto al público de martes a viernes de 10 a 20 y sábados, domingos y feriados, de 11 a 20, con una muestra excepcional de Luis Felipe Noé llamada "Noé en línea", trabajos de Ernesto Ballesteros y Leo Estal, la Colección Ignacio Pirovano y un ciclo de música experimental con Jorge Haro.

El Museo de Arte Moderno nació en 1956 y durante años se lo llamó el "Museo Fantasma", porque no tuvo sede. Luego funcionó en el Teatro San Martín y desde 1986 estaba en la avenida San Juan 350, en San Telmo, en el edificio que había pertenecido a la fábrica de cigarrillos Piccardo. En el acto de ayer participaron el jefe de Gobierno porteño, Jorge Telerman, y su ministra de Cultura, Silvia Fajre.

Tomado de: http://www.clarin.com/diario/2007/05/05/laciudad/h-07002.htm

Grupo Escombros en Arte BA ' 07

2007-05-09T14:01:00.001-03:00

Más información: http://www.grupoescombros.com.ar/02-exp_arteba07.htm

"Toda imagen es pintura" – Alberto Giudici

2007-05-09T11:34:00.001-03:00

Entrevista a Luis Felipe Noe

El oficio de Luis Felipe Noé es el de pintor. Pero su idea de la pintura va mucho más allá. Pintar, sostiene, es producir imágenes, sin que importe el procedimiento usado para lograrlas. “Hay que superar esta idiotez que es pintura-no pintura”, dice.

En estos tiempos en los que está de moda el espíritu funerario —son ejemplos la muerte de la pintura, del arte, de la Historia, de las utopías— Luis Felipe Noé sacude la modorra intelectual planteando una reflexión que clama ser dialógica para no desvanecerse en los ecos de un monólogo. Su tesis afirma: "El arte llamado pintura es el arte de la imagen más allá del procedimiento que se utilice para lograrla". Pero ¿Qué es la imagen? o mejor aún, ¿toda imagen es pintura? Las respuestas se abren en delta y cada brazo se corresponde con una concepción diferente de la pintura y de lo pictórico. Consciente de esto, este artista reflexivo y polemista nato ofició de curador de una muestra ideada por él en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), que bajo el provocativo título de Pintura sin pintura reunió la producción de trece artistas que no transitan por el soporte tradicional de la pintura: Jorge Sarsale, Tomás Espima, Mariano Molina, León Ferrari, Leonel Luna, Marcos López. Horacio Zabala, Gustavo Romano, Elena Nieves, Hernán Marina, Andrés Bancalari, Alberto Méndez y Mónica Millán. Desde pólvora en lugar de óleo o de acrílico hasta el murmullo del agua y el canto de los pájaros, la producción de estos creadores recorre un amplio diapasón de procedimientos. Pintura en todos los casos, sostiene Noé.

Tomando como base de su fundamentación la concepción lógica de correspondencia entre lenguaje y verdad que el filósofo austríaco Ludwig Wittgenstein (Viena, 1889 - Cambridge, 1951) plasma en su Tractatus Logico-Philosophicus (1921), Noé postula junto con Anthony Kenny (biógrafo de Wittgenstein) "la teoría pictórica de la proposición". Fascinado por este hermético pensador, Noé encuentra claras coincidencias entre Vasily Kandinsky, el padre de la abstracción, que revoluciona la noción de representación, y Wittgenstein, quien poco después "se cuestiona sobre qué es la representación del mundo en conceptos". Cuestionamiento que, a su juicio, hace de la pintura una inmensa madraza capaz de abrazar en su seno todas las expresiones, incluso aquellas que la repudian, la cuestionan o ya le extendieron su acta de defunción.

"Wittgenstein —señala Noé— se pregunta cómo se puede representar el mundo. Y lo notable es que emplea una palabra, bild, que para mí es fabulosa porque simultáneamente —según los traductores del alemán— quiere decir pintura, imagen y cuadro. El toma esa palabra para hablar de la representación lógica del mundo. Los traductores decidieron que la palabra pintura no podía reflejar lo que quería decir Wittgenstein y entonces vieron que no había nada mejor que utilizar la palabra figura. Con lo cual deforman profundamente su idea. Figura es el elemento ''A''. Vos sos una figura, yo soy una figura, la mesa es una figura. Porque él, sirviéndose de la palabra bild, está hablando de la interrelación de elementos que conforman una imagen. Una imagen ¿de qué? De elementos, de lo que sea. Es un complejo. Un cuadro de situación. Entonces, si él interpreta que pintura, imagen y cuadro sirven para representar el complejo, es que la pintura es el acto de la imagen y hace un cuadro de situación. Esa es mi deducción. Y que eso es esencialmente la pintura, y no el procedimiento que se utiliza para hacerla".

—Un poema visual en todo caso.

—Sí, un poema visual. Y en cierto modo, Wittgenstein, por negativa lógico-filosófica, está hablando de poesía. La definición de poesía que más me gusta es la de Aldo Pellegrini que dice: "La poesía trata de decir con palabras lo que las palabras no pueden decir". Creo que todo lenguaje artístico trata de lo mismo. Lo interesante de la definición de mi querido Aldo, de quien yo me siento su discípulo, es que señala que con la materia palabra se pueden dibujar palabras. Todo eso, para mí, tiene otras derivaciones, que es lo que traté de fundamentar en la muestra que titulé Pintura sin pintura, donde formulo la tesis de que la imagen, el arte de la imagen, trasciende el medio que se utiliza. Y me baso en gran parte en este concepto de Wittgenstein, que es el concepto de pintura extendida. También me baso en un fragmento de Apollinarie donde no tiene prejuicios para abordar cómo es la materia del arte y dice que la pintura puede ser hecha de distintas maneras, con lo que se quiera: ''Con pipas, con estampillas de correo, con naipes, con candelabros, con trozos de hule, con periódicos, con materia fecal, con sangre''. Y lo escribe en un momento en el que se produce el nacimiento del colage. Para mí, el colage es una de las tres grandes revoluciones del arte del siglo XX.

—¿Y las otras dos?

—La primera se da en el orden de la cultura. Que fue mandar al diablo los referentes totémicos clásicos y griegos y es cuando comienza a interesarse por lo primitivo, por otras formas de representación de la imagen. Expresionismo y Las Señoritas de Avignon mediante. La segunda es consecuencia de esto: la imagen del mundo que tenemos se cuestiona y a partir de eso los movimientos pictóricos que ya interrumpieron otras cosas producen esa segunda gran revolución que es la del colage. Porque equivale a decir: la imagen no sólo se construye con línea, superficie y color sino también con otras imágenes. La tercera revolución, una muy seguida de la otra, es la abstracción. Que es ver la imagen sólo con los elementos que la construyen. Pero con los elementos que la construyen tradicionalmente: línea, superficie, color. Porque el concepto de cómo se construye la imagen fue cuestionado desde dentro de la estructura de la imagen y supera lo representativo. Y hay una cuarta revolución, que es la conciencia del concepto. Esa gran revolución la produjo Duchamp, pero no fue algo solitario porque en ella ya estaba implícito lo anterior. Es decir, el pensamiento cubista es una revolución conceptual; la abstracción, es una revolución conceptual; el colage es una revolución conceptual. Por lo tanto, lo que hace Duchamp es una cosa obvia: valorizar el concepto. Entonces, él ve un mingitorio como si fuera una obra de arte, porque lo ve desde un punto de vista formal. Por supuesto, no es un mero formalismo, porque en ese momento es absolutamente revolucionario respecto de cómo concibe el ojo. Por otra parte, no se puede entender el ready made sin el colage, porque éste parte de elementos anteriores al concepto de imagen. Ahora bien, el ready made es una etapa en la conciencia de Duchamp, pero hacer ready made ahora no tiene el menor sentido. Es de la peor academia. Ridículo como cualquier academicismo. El propio Duchamp se cansó de hacer ready made en algún momento porque ya estaba formulada la posibilidad de ver de otra manera los objetos del mundo.

—O sea, lo integra a su concepto de la pintura.

—Claro. Para mí, Duchamp es un pintor, ante todo. Es que yo creo que es absurdo contraponer tantas cosas en este mundo, porque todas se entretejen. El concepto no es solamente el concepto. El concepto es la sensibilidad, porque sin sensibilidad no podés concebir nada. La sensibilidad no es la sensibilidad, porque sin concepto no tomás conciencia de ella. Es decir, creo que hay mucha estupidez en cómo se debate la cuestión artística en la actualidad. Que la pintura ha muerto, que el arte ha muerto. Vayamos parte por parte. Primero: la pintura ha muerto. ¿A qué se está refiriendo? A que un cierto procedimiento para hacer la imagen ya está totalmente superado. Y eso hace que la gente no entienda cuál es la diferencia fundamental y así como en una época se valorizaba mucho la pintura porque daba la imagen de contexto, ahora en un momento en que hay muchos modos de registrar la realidad, el arte de la imagen, de la pintura es algo que parece absolutamente inútil y marginal. Lo que no entienden es que el arte de la imagen es cada vez más difícil y a la vez más complejo porque no se refiere a un objeto, a una cosa, a un detalle, sino a la totalidad del mundo. Y eso es lo más difícil. Cuando hablamos del arte egipcio, el arte griego, el renacimiento o el romanticismo se nos presenta una imagen. ¿Y cuál es la imagen de hoy? La imagen de hoy es el despelote. Pero el despelote puede constituirse en sí mismo una imagen. Es una imagen de interrelación del mundo, es la imagen de una red que se nos escapa. Me encanta retomar el concepto de red porque es fundamental para entender el mundo y el arte de hoy.

—¿Y la idea de que el arte ha muerto?

—Nadie habla de que la literatura ha muerto, de que la música ha muerto. Entonces de qué están hablando cuando dicen que el arte ha muerto. Están hablando de las artes visuales como una forma de poder concretar la imagen. Muy bien. Entonces, se la agarran con el pobre Hegel. Hegel, en su puta vida dijo que el arte había muerto. Ha sido una lectura totalmente torpe. Hegel no es claro, es cierto, pero en esto sí es muy claro. El dice: en el mundo clásico, el mundo griego, se había llegado a una interrelación de categorías que ahora llamamos arte, que llamamos religión, que llamamos filosofía, que era un todo y que las obras clásicas representaban eso, esa totalidad. Entonces, el arte, en su devenir supremo, es cosa del pasado. No está diciendo que el arte haya muerto. Está diciendo que el arte, en una función específica, es cosa del pasado. En consecuencia, en este momento en que se dice que la pintura ha muerto, que el arte ha muerto, en este mismo momento en que, a través de los medios, nos cansamos de recibir imágenes de detalle y no podemos percibir el todo, esa imagen orquestada del mundo es más necesaria que nunca. A esa imagen orquestada del mundo yo la llamo pintura. Pero pintura en el sentido de Wittgenstein que es la interrelación de imágenes, de cuadros de situación, que es preguntarse: cómo podemos comprender el mundo.

Los caminos de la imagen

—En la muestra Pintura sin pintura llevó su postura al límite incluyendo una obra de Mónica Millán, que trabaja con sonidos, y la puso bajo un paraguas común que es el de la pintura. La pregunta, o la inquietud es: ¿lo hace porque siente que tiene que defender un oficio que está cuestionado, o se siente cuestionado usted como pintor?

—No, yo me rebelo contra la boludez. Yo no reivindico el oficio del pomo. Yo no lo reivindico ni lo dejo de reivindicar. Yo lo utilizo, que es otra cosa. A mí lo que me interesa es la imagen y no el procedimiento. Por otro lado, yo reconozco que hay una gran cantidad de gente que hace cosas que no parecen pintura en el sentido tradicional pero que me proponen imágenes y que la mayor parte de ellos ha estudiado en las escuelas de arte. Utilizan nuevos procedimientos que el mundo les ha ofrecido. Entonces, creo que ellos también están pintando en un sentido extensivo del término. En una palabra, reivindico el verdadero concepto de pintura en un nivel teórico y reivindico la pintura como procedimiento, con pomos. Pero no ato un concepto al otro. Para hacer una síntesis: Qué fue la Nueva Figuración sino superar una idiotez que era dividir la pintura entre abstractos y figurativos. En este momento, yo creo que hay que superar otra idiotez que es pintura-no pintura. Eso hay que superarlo porque no es el problema. El problema es la imagen de hoy y celebro que todos los caminos estén abiertos para lograrla, desde el pomo, que yo reivindico, hasta todos los aportes posteriores. Y vuelvo al concepto de la red. El problema del mundo es que todo está muy disperso y al mismo tiempo muy junto. Que es un tejido, un tejido de elementos. Ver la imago mundi de hoy es tratar de entender el tejido y no perderse en los detalles de ese tejido. Los caminos están abiertos para lograrlo y ése es el desafío. Y por eso, no creo que la pintura haya muerto ni que sea poshistórica. En todo caso, está desafiada. Mire, yo trato de ver claro. Y también ver claro conceptualmente las cosas. Me equivoco, no me equivoco. No por nada soy tan categórico ahora a los 72 años. Yo sentía cosas antes, que no las veía claro, pero por espíritu juvenil también era categórico. Ahora no digo que vea claro muchas cosas, mejor dicho, nada veo claro, pero lo único que veo es que eso que no se ve claro es de por sí el tema. Este es el caso.

Tomado de: http://www.clarin.com/suplementos/cultura/2005/12/24/u-01112340.htm

Imagen: "Y Aquí Andamos"195 x 195 cm. Coleccion Flia. Noe, Año 1995